あなたのために
２０００年アメリカ監督：マット・ウィリアムス
出演：ナタリー・ポートマン、マシュレー・ジャド、ストッカード・キャニング
(´▽｀)つ★★☆☆☆
＜ストーリー＞
妊婦で１７才のノヴァリーは、ミュージシャン志望の恋人ジャックとテネシーからカリフォルニアへ向かっていたが、「ウォルマート」のトイレに立ち寄った際に、ノヴァリーは１人置き去りにされる。
行き場のないノヴァリーは、夜ウォルマートに侵入し、そこで過ごしていた。
それから数週間後、店内で陣痛を迎え苦しむノヴァリーを救ったのは、図書館に勤める青年フォーニ−だった。
ドラマとは面白いもので、ノヴァリーという少女をとことん虐げる設定でも成立しそうだし、どちらかと言えばそっちの方がドラマチックになるでしょう。
十代で未婚のまま子供を出産・・・となれば、「陰」なイメージがつきものですし・・・。
しかしこの作品は、「人生ってステキ」と思わせようとしているんですね。
お気楽に観る分には丁度良いかもしれませんが、観終わった後に何も残りもしませんでした。
置き去りにされ、ひとりぼっちになったノヴァリーが植木鉢を抱えて立ち尽くしてるシーンなんかは「レオン」を思い出させますが、それは意図的なんでしょうねー。孤独の少女・・・に引っかけているんだと思います。
家庭に恵まれず、１７才で未婚で妊婦という設定なら、アバズレな少女ってイメージを抱きやすいですけど、このノヴァリーはなかなかしっかり者。
そんなノヴァリーだからこそか、周りから支えられているというエピソードが続きます。
「ウォルマート・ベビー」として、ウォルマートで子供を産んだノヴァリーを取材してくるＴＶ局。
その番組を見てアメリカ各地から善意のお金や励ましの手紙が届く辺りも、アメリカらしい優しさ（？）
病院に入院している時、突然ノヴァリーの母親が現れ、娘を騙してお金だけチョロまかしてまた姿を消す。
退院の日を迎え、赤ん坊を抱えたノヴァリーは再び行き場を失っていた。
そこへ、シスター・ハズバンドが手を差し伸べてくる。
観る者に「どうなるの？ノヴァリー・・・」と心配させて、その後からノヴァリーを救う人間が出てきて安堵させる辺り、この監督さんはツンデレ（一旦冷たくしておいて、後で優しくする）ですかね？
さて、この映画は人生は支え合って生きていくもの・・・という雰囲気でストーリーは展開していきます。それを強調するためか、話が出来すぎであるようにも感じるんですけど、たまにはそういう映画があっても良いじゃないか・・・とは思います。
ただ、話が出来すぎのために、ノヴァリーがシングルマザーである設定が薄らいでいたように思います。
「母親」であるノヴァリーと子供の関わりが貧弱。
カメラマンになる夢も、前向きに生きていくという姿勢の添え物でしかなく、全体に広く浅くという印象の作品になったのが惜しい。
しかもこの映画の一番悪いところは、途中からノヴァリーを捨てた男ジャックのその後も入れて、ミュージシャンになるための姿を描き入れてること。そのせいで、視点が散漫になってしまった。
観てる方は、置き去りにされたノヴァリーに同情的になっているところに、ジャックにまで関心を向けさせられるなんて、強引の何ものでもありません。
ノヴァリーに関しては、いつの間にやらラブストーリーに展開しちゃってるし。
そして子供が不在なシ−ンが多く、周りが助けてくれてるからって子供を任せっきりにしてるようで、その辺は違和感ありまくりでした。
もっとも、現実味を帯びれば良いってものでもないですけどね。
私個人としては、次々色んな男と付き合い、その度に妊娠して４人の子持ちになっても、前向きなレクシーのキャラと彼女のストーリー展開の方が面白かったですけど・・・。
ノヴァリーは優等生過ぎだったかな・・・？
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ブラックホーク・ダウン
２００１年アメリカ監督：リドリー・スコット
出演：ジョシュ・ハートネット、ユアン・マグレガ−、トム・サイズモア
(´▽｀)つ★★★☆☆
＜ストーリー＞
１９９３年１０月３日、東アフリカ、ソマリアの首都モガディシオ。
米軍特殊部隊の兵士たちは、アイディート将軍の副官を捕らえる任務を与えられた。
当初の計画では、１時間足らずで終了する任務だったが、ブラックホークが撃墜されたことから、事態は一変する。
アメリカ国防総省プレゼンツ、「ブラックホーク・ダウン」・・・と言っても過言ではない作品です。最初に申し上げておきますが、私は軍事マニアでもないし、かと言って偽善的な平和主義者でもありません。
アメリカの国防総省が介入し、映画制作に全面バックアップした作品であっても、監督をはじめとする製作サイドの意図は違うものだという風に受け取りました。
しかし正直言って、アメリカ国防総省はこの作品をプロパガンダとして利用する意図があったと思います。
そもそも、アメリカがソマリアに「平和維持」と称して軍事介入した背景には、冷戦時代に旧ソ連に対抗してアメリカがソマリアに様々な支援を行っていたことが理由のひとつにあります。
冷戦終結と共にソマリアに支援する必要がなくなった。
そこで、支援された資金を勝手に使い込んでいた中央政府と地方で対立が悪化し、ソマリアが内戦へと突入してしまった。
つまり、アメリカは直接的でないにしろ、アイディート将軍に力を持たせてしまったことが原因。
一方、米軍の事情もあった。冷戦終了でアメリカから用済みになったソマリアでしたが、旧ソ連の崩壊後に敵がいなくなり、米軍を組織として維持するために軍しかできない「国際平和維持活動」として、１９９２年にソマリアに国連軍としてやってきた。
しかし、軍事介入は易く撤退は難しで、国連軍がいなくなると再び混乱してしまうため、混乱の大元アイディード将軍をなんとかしよう・・・としたのが、この作品に描かれている中身。
この作品のメインは市街戦のシーンですけど、かなりリアルな描写になっているそうです。
米軍の相手は民兵で、ほとんどゲリラのよう。
どこから攻撃してくるのかわからないという緊迫感が続く。
そういうシーンを長い時間観ていると、なんだかシューティング・ゲームでも観てるような感覚になってきました。
それは、いかに画面が一方的な視点であるか、という証拠でもあるんですよね。
そして、再現ドキュメンタリー風・・・と言っても、銃撃戦で相手をガンガン撃った割には、倒れているソマリアの人がいないんです。その辺は、娯楽作品みたいな感じ。
余計な死体は転がらせない。
だからこそ、米軍兵の姿だけ際立つことができ、カッコ良く見えてしまう。
まぁ、それが狙いだったんだとは思いますが・・・。
でも、映画的には素晴らしい出来だと思います。
ブラックホークが同時に何機も出撃に向かっていくシーンは圧巻で、美しいとさえ感じました。
映像はどれも良かったんですが、私的には２時間経った辺りで「まだ続くのか・・・」とダレました。
さて、私はこの映画はプロパガンダ映画だと冒頭に書きました。この映画がアメリカ国防総省が介入し、２００１年にアメリカで公開されてます。
アメリカは9.11テロ直後にアフガン攻撃を開始しましたが、その次はソマリアを攻撃する・・・という話をラムズフェルドがしたとかしないとか・・・。
アル・カイダがソマリアの内戦に紛れて勢力を増大させているとの情報があったらしいのですが、再びソマリアに対して軍事行動を取ろうと計画をしていた年に「ブラックホーク・ダウン」の映画が封切られたというのは偶然でしょうか？
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ラッキーナンバー７
２００６年アメリカ監督：ポール・マクギガン
出演：ジョシュ・ハートネット、ブルース・ウィリス、モーガン・フリーマン、ベン・キングズレー
(´▽｀)つ★★★★☆
＜ストーリー＞
空港のロビーに車椅子の男が現れ、「時があった」とひとりの青年に話し掛ける。
そして、２０年前にあった、ある一家の話を始める。
一方、ＮＹのアパートでは、ニックに砂糖を借りるため、向かいに住むリンジ−がやってきた。
しかし、そこにいたのはスレヴンという男で、不運続きで友人ニックの部屋にやってきたがニックは不在だと話す。
そんなスレヴンは行方をくらましたニックと間違われ、敵対するギャング”ボス”と”ラビ”の争いに巻き込まれていく。
その争いの影には、あの車椅子に座っていた男の姿もあった・・・。
※ネタバレ含んだ記事です。
ずいぶんと時間をかけて脚本を練った作品らしく、流行の「クライム・アクション」とはまた一味違った作品に仕上がっています。ラストには、ドンデン返しが・・・という作りではなく、作品に散りばめられたヒントや伏線が発見しやすくなっている・・・と思います。
鑑賞しながら、「もしかしたら・・・かな？」と憶測していく楽しさを味わえる作品ではないでしょうか。
昨今、こういう類の作品は暗々した映像、髭面、だらしない服装で小難しい世界に引き込んでいくのが一般的になっていますが、この作品は非常に判別しやすく、見やすい演出がなされている印象を受けました。
まずは、登場人物は区別しやすい（有名俳優を使っている点もそういう意図か？）
髪型、服装がちゃんとしている。
そして、ほとんど建物の中のシーンということでか、登場人物がどの建物や部屋にいるか判別しやすい派手な壁紙。
映画の中に出てくる部屋は整然としていて無機質な感じにも受けますが、変に映像に手を加えず、セットと小道具、カメラアングルだけで充分スタイリッシュさを演出させているのが良い。しかもそれによって、殺害シーンが非常に生々しく感じるものなんですねー。
２０年前の事件をあえて冒頭で説明すれば、「もしかして復讐劇かな？」と気付く人はその時点で気付きますね。
映像も捻ってあって、息子が背後から銃を突きつけられてる映像と奥さんが銃を向けられてる映像を続けて見せ、銃声音の後に子供の描いた絵が血まみれになることで子供も死んだと思わせる。
しかし、この一家３人とも殺害後のシーンを入れてないのがミソですねー。
それと、コミカルな部分を入れることで、力を抜いて観ることができるようにしてあるのも良いんです。スレヴンの「開陳」ネタも笑わせてくれますし、バスタオルを腰に巻いた状態でボスの所へ連れていかれる場面も、スレヴンが情けなく頼りなさげに見せ、ただの不運な男だと思い込ませる騙しテクが上手い。
しかも、コメディではある種のお約束「同じネタをわざと繰り返す」を用いていて、スレヴンが何かと殴られるのがそれ。
ラビが必死に守ろうとしていた、まったく頼りなさそうな息子の容姿に笑ってしまったし、用心棒が壁をぶっ壊して登場するのもおかしかった（ ＾▽＾）
それを真顔で、しかも両手にカッコよく銃を構えて、いとも簡単にやっつけるグッドキャットも何か笑えた。
なぜグッドキャットはスレヴンに手を貸し、両親の復讐を果たさせたかは語られていませんが、まぁそこまで説明しちゃうとクドくなっちゃうので、その辺は不明なままでも良いかな？ってところ。野球のボール、腕時計・・・と、あの２０年前に登場した小物がちゃんと出てきてるので、私はそこで気付いちゃいました。
「ああ、息子は死んでなかったんだな」と。
そして、グッドキャットが「準備が整った」と語ったのは、スレヴンの殺し屋としての腕が一流になったということなんでしょう。
それと「カンザスシティ シャッフル」・・・これはグッドキャット自身の仕事の中で、ポリシーに反した行為を取った時に、自分への言い訳に使ってたのかな？と思いました。
つまり、殺さなくてはいけない人間を殺さなかった時「これはカンザスシティシャッフルだ」と。
その言葉の意味は本人が劇中で説明してますから、察しはつくと思います。
エンディングに「カンザスシティ シャッフル」という曲が流れるのも、オツ。
ところで、この映画の原題は「Lucy Number Slevin」で、邦題の「ラッキーナンバーセブン」ではなくちゃんと「スレヴン」となっています。アルファベットの「Ｌ」を逆さにすれば数字の「７」になり、逆さゆえにアンラッキーだという意味にも受け取れますね。
競馬で賭けた馬の名前が「スレヴン」で、それが悲劇の始まりだったことを皮肉ってるようでもあります。
ちなみに馬のスレヴンの番号は「７」で、父親は馬券で７番を買ったことになりますね。
なぜ邦題を「ラッキーナンバー７」にしたのか？とは思いますが、こればかりは日本人泣かせな原題ではありますね。
この映画、娯楽作品としてはなかなか良かったです。
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マンダレイ
２００５年デンマーク監督：ラース・フォン・トリアー
出演：ブライス・ダラス・ハワード、イザ−ク・ド・バンコレ、ダニー・クローヴァー、ウィリアム・デフォー
(´▽｀)つ★★★☆☆
＜ストーリー＞
「ドッグヴィル」の町を焼き払ったグレースは、父親らと新たな居住地を求めてアメリカ南部へやってきた。
辿り着いたのは、マンダレイの大農園。
そこは未だに奴隷のように扱われる黒人たちがいて、グレースはそこで被支配に慣れた黒人たちに、自由と民主主義を・・・とを考えた。
「ドッグヴィル」の続編で、アメリカ３部作の２作目。
物語は「ドッグヴィル」を去った直後の設定で、主人公のグレース役は二コール・キッドマンから「レディ・イン・ザ・ウォーター」のブライス・ダラス・ハワードに替わった。
前作同様、広いスタジオに線と最低限のセットで物語りは繰り広げられ、チャプターつきで話が進んでいくスタイル。ナレーションも前作と同じジョン・ハート。
「ドッグヴィル」は、人間社会全体がコトを荒立てずに傍観者でいることで、一見して平和を取り繕っている様や、自己感情を抑え自尊心を殺してまで赦すことは尊いことなのか？という、かなり深いテーマでした。
グレースはそこで何かを学び、父親から権力を譲り受ける・・・ということでしたが、この作品でも相変わらず自分の理想に燃えるのです。
奴隷解放後にも関わらず、奴隷のように扱われている黒人を目の当たりにしたグレースは、黒人たちに自由を与え、民主主義を説いていこうと決意。
父親から「子供の頃飼っていた小鳥をカゴから放ち、自由にしてあげたと思っていただろうが、結局小鳥は翌朝凍え死んでいた」という話をされ、あの黒人たちも同じだと諭されます。
しかし、グレースはドッグヴィルの時と同様に理想を掲げ、その言葉には耳を貸さなかった。
そのグレースは、アメリカそのものを表わしている人物なのです。黒人を虐げていた白人を武力で追い払い、自分がマンダレイを「占領下」に置く・・・監督はイラクに対するアメリカの軍事行動をグレースに重ねている・・・という感じです。
やたら「フリーダム」という言葉が好きなアメリカ。
しかし、そのフリーダム（自由）とは一体何なのか？ということを直球で投げ掛けています。
突然「あなた方は自由ですよ」と言われた黒人たちは戸惑い、いつ何をどうしたらいいのかわからない。
そして、黒人たちは自由に付随してくる「責任」も当然知らない。
映画の中で、「〜〜すべき」という表現が頻繁に出てきます。いつ、何をすべきなのか・・・それは自由と表裏一体である義務と責任という意味合いが含まれていると思うんですよ。
今の日本も自由を履き違えている人がいます。
自由は「自分勝手」と同意語ではないからです。
アメリカは第二次世界大戦後、日本を占領下に置いて民主主義化が上手くいったケースとして、それをいつまでもアメリカの成功例として持ち続けています。
主権を国民に移し、国民がすべて自分たちの手で取り決める権利があるという民主主義。
その成功例はアメリカが世界で民主主義化させる役割を担っていると勘違いさせ、今に至るわけです。
しかし、世界にはいろんな顔がある。
日本とイラクは同じだと思い込むアメリカの妄想は、この作品でのグレースなのです。
黒人だって自由が欲しいに決まっているし、それを実現させる力が自分にはあると・・・。
マンダレイにはマンダレイの秩序があり、そこの黒人たちはそれぞれの役割をこなせば平穏な日々が送れるようになっていた。彼らの生きる場がマンダレイであり、グレースがその秩序を乱した外部者でしかないのです。
そもそも、「ここで生きていく」というのも自由の選択肢のひとつなのです。
奴隷のように扱われ、嫌ならマンダレイを去ることは可能だったのに、それを誰もしなかったと聞かされるグレース。
そう・・・選択肢まで奪われてはいなかった。
この作品はテーマがわかりやすかった分、ドッグヴィルよりも難解なイメージはありませんでした。
そしてブライスの全裸シーンがありましたが、その意図は図りかねますね。
「ドッグヴィル」では強姦でしたが、この作品はグレース自身が求めたカタチで何か理由でもあるんでしょうか？
理想を掲げていても、所詮女だ・・・という風にも見え、ちょっと嫌悪感を抱きましたが・・・。
エンドロールも前作同様、「ヤング・アメリカ」という歌が流れ、いろんな写真が映し出されます。
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ジーザス・クライスト・スーパースター
１９７３年アメリカ監督：ノーマン・ジュイソン
出演：テッド・ニーリー、カール・アンダーソン、イボンヌ・エリマン
(´▽｀)つ★★★★☆
＜ストーリー＞
ローマの支配に怯えるユダヤ。
ひとりの人間として、神と民衆の狭間で苦悩するイエス。
しかし、多くの民衆から支持されていたイエスに、祭司たちとユダヤ議会は民衆扇動と暴動を恐れていた。
彼らはローマ総督ビラトに圧力をかけ、イエスの処刑を画策する。
そしてイエスの弟子、ユダの裏切りによって磔刑に処せられる。
「屋根の上のバイオリン弾き」のノーマン・ジュイソンが監督し、音楽はアンドリュー・ロイド・ウェバー、作詞はティム・ライス。
１９７１年にブロードウェイで初演された舞台の映画化で、舞台も務めた主要な登場人物３人が映画にも出演している。
イエス・キリストの最期の７日間を聖書通りに描いた作品で、セリフなしの全編歌と踊りで表現したロック・オペラという斬新なミュージカル。撮影はイスラエルで行ったそうですが、壮大な風景をバックに人工的なセットは作らず、砂漠の遺跡が使われたそうです。
気温４０℃を越える中での過酷な撮影だったということですが、舞台の映画化とは言え、息を飲むような自然が作り出した風景が圧巻。
「ダヴィンチ・コード」以上に、この作品もキリスト教団体の猛反発があり、映画館が爆破されたり放火されたらしいです。
なんせ、ユダが黒人ですし、イエスは神々しいどころか悩みっぱなしで、しかも音楽はロックにジャズだったりしてますので、反発されない方がおかしいかも・・・。
しかし、作品としては逸品。まず、砂漠の中を１台のバスがやってきます。
その中には作品を演じる若者たちが乗っていて、到着するやいなやバスを降りて衣装に着替える・・・そんな風に始まる。
そして、もはや自分の持つ力以上のものを求める民衆に苦悩するイエス。
そんなイエスを心配して言い諭すユダに、イエスを癒そうと懸命なマグダラのマリア。
あとは聖書通りの展開らしいのですが、なにぶん私は聖書を読んだことがないので、「人間イエス」として先入観もなく観ていくことができたかもしれません。
奇跡を示したイエスを神として崇める人々。
しかし、イエスはただの男である・・・ということをこの作品は強調していたように思います。
マグダラのマリアに慰めてもらい、自分の器以上のことを望む民衆の期待にほとほと疲れ、人のことどころか自分のことでも精一杯なイエス。
ユダの苦言にも耳を貸さず、頑なな心になっていくイエスの姿は、あまりにも痛々しい。
で、この作品はロック調のミュージカル仕立てなので、宗教色をそれほど感じさせず、キリスト信者でなくともスンナリ入っていけました。ユダ役のカール・アンダーソンの魂を振絞るような歌は本当に素晴らしかったし、マグダラのマリア役のイボンヌ・エリマンの包み込むような歌も素晴らしかった。
ユダの歌の中で、処刑されたイエスに向けて「釈迦やモハメッドと仲良くやってるか？」という歌詞がありますが、中東戦争やベトナム戦争が起きていた時代であることが大きなポイントであろうかと思います。
イエスが生きた時代を忠実に・・・という意図はなく、むしろ現代とリンクさせている演出がこの作品の特徴。
戦車や戦闘機が登場するあたり、人間は争いを何千年も繰り返し続けているという皮肉を込めているようです。
神はそれを止める術を持たないのか・・・？という問いかもしれませんし。
そして、映画は全てを演じた出演者たちが再びバスに乗り込み、走り去って終わりを迎えます。
さて、この映画で有名な歌が「superstar」ですね。映画を観てなくとも知ってるくらい有名な歌ですけど、作品の中で聴くと鳥肌が立つくらいシビレました。
イエス役のテッド・ニーリーはカッコいいですねー。
なんでも、２００６年から再演されている舞台に、６０才を過ぎたテッドが再びイエスを演じているそうです。
映画の中では、テッドのシャウトする歌声が強烈でしたけど、そのシャウトは健在なのでしょうか？
日本では、歌の著作権か何かの壁があってＤＶＤ化はまだされていません。
こちらの「ジーザス・クライスト・スーパースター」専門のサイトは、より詳しく深く知ることができます。
↓
http://www.geocities.jp/jcs_1973/index.html
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スティーヴン・キング 痩せゆく男
１９９５年アメリカ監督：トム・ホランド
出演：ロバート・ジョン・バーグ、ジョー・マンティーニャ、カリ・ウーラー
(´▽｀)つ★★★☆☆
＜ストーリー＞
肥満の弁護士ビリーは、酒に酔ったある夜、車でジプシーの老婆をはねて死なせてしまった。
ビリーは保身のために、旧知の警察署長と判事に頼み、事故を過失扱いで無罪にしてもらった。
裁判所を出たビリーにジプシーの長老レキムが近付き、ビリーの頬を撫でながら「痩せてゆく」という言葉を残し立ち去った。
やがて、痩せ始めたビリーはダイエットに成功したと思い込むが、いくら食べても体重は減り、痩せ続けた。
タイトルにいちいちスティーヴン・キングと付けられると、中には「なんだこれ？」な作品も数々観て失望してきても、つい名前に釣られて見てしまう。
まぁ、彼の作品は一種の賭けでもあるんですが・・・(；・∀・)
この作品にも、スティーヴン・キングがチョイ役で出ております。
これはＢ級ホラーとして観る方がよろしいでしょう。超肥満の弁護士ビリーは、特殊メイクというのがバレバレなほどのクオリティーですし、顔や身体はデブなのに手がホッソリしているという細やかさもありませんので、そういうもんだという感じで観るればそこそこ・・・。
そんなビリーは、「ビリーズ・ブート・キャンプ」・・・じゃなく、食事で痩せようとしておりました。
それが、ビリーの起した事故と不正に怒ったジプシーは呪いをかけるんですねー。
「痩せてゆく」という・・・肥満の人には有難いような呪いですけど、止まることなく痩せ続けるのは別の話。
しかも、そのジプシーは警察署長や判事にまで呪いをかけていたことを知り、ビリーは恐怖にかられていく。
変な化け物や宇宙人が出てこなくて、「呪い」ということに絞った恐怖を描いていたことが良かった。煽り立てる恐怖ではなく、なんだか恐い話だなぁ〜・・・というのが加減的にも良く、主人公のビリーがグングン痩せ細っていく変り様が不気味。
まぁ、化け物っぽいメイクの方も登場するんですけどね。
そして、白人の差別的な部分を逆手に取ったあたりも面白かった。
ジプシーvs町の白人・・・というカタチなんですけど、それぞれに正義があるのに、白人は自分たちの正義が絶対だと思い込んで、他にも正義があることを考えもしないという皮肉も。
その「町の白人」がジプシーに対し銃で攻撃仕掛けるあたりも、「やっぱり白人は銃なんだな」と納得しました。
そうやって、アメリカは有色人種を虐げてきたんだろうと。
まぁ、そこでジプシーも銃で応戦する辺りは、結局アメリカなんですねーという・・・。
一方でビリーは、奥さんが医者と浮気しているんじゃないかと疑っていく。疑念と嫉妬・・・そして恨みに変っていくんですけど、描き方としては甘いかな。
でもあくまでもＢ級映画として観れば、それもヨシなんですが・・・。
自分に呪いがかけられ痩せていく以外にも、その「呪う」という精神的状態までも伝染していくかのように、ビリーも人を呪っていく。
スティーヴン・キングは人の狂気をあらゆるカタチで描いていますが、この作品はなかなか良かったと思います。
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シェフと素顔と、おいしい時間
２００２年フランス監督：ダニエル・トンプソン
出演：ジャン・レノ、ジュリエット・ビノシュ、セルジ・ロペス
(´▽｀)つ★★★★☆
＜ストーリー＞
パリ、シャルル・ド・ゴール空港、２５時。
ローズは、突然のストライキでメキシコ行きの飛行機が欠航になったことを知って、愕然とする。
彼女は恋人セルジオから逃げようと、急いでいたのだ。
一方、フェリックスは別れた恋人に会うために、アメリカからミュンヘンに向かう途中、悪天候のため空港で足止めされていた。
ローズは、自分の携帯電話を誤ってトイレに落とし、急いでいた彼女はフェリックスに声をかけ、携帯電話を借りようとした。
のっけから、厚化粧のケバいジュリエット・ビノシュとボサボサの長髪のジャン・レノに面を食らいましたが、ビノシュ演じるローズが厚化粧であることが後に大きな意味合いを持たせていきます。この作品は一言で言えば、大人の恋の始まりを小粋に描いたラブ・コメ映画・・・といったところでしょう。
深夜の空港で足止めされたローズとフェリックスは、携帯電話が縁となって出会います。
一旦はそこで別れるのですが、再び顔を合わせる。
フェリックスは空港の手配でホテルに宿泊することになり、ベンチで寝転んでるローズに声をかけ、一緒にどうか？と誘うんですねー。
ここで一気にロマンチックに・・・とはならず。この２人は何かと正反対なんです。
あっけらかんで、香料たっぷりの化粧をほどこし、寒がりなローズに対して、精神的に弱くて追い詰められると発作を起こし、香料などのキツイ匂いが嫌いで暑がりなフェリックス。
そして、恋人から逃げるローズと別れた恋人を忘れられずにいるフェリックス。
どうも油と水っぽい２人は、ホテルの一室であーでもないこーでもないと反発しあっていくのです。
この作品はいたるところで対極を散りばめ、セリフにも「凡庸と複雑」や「孤独でいたいのに人恋しい」というのがあり、まるで遠くで向き合っている２人であることを強調するような物語の始まり。
そして、議論は一晩中でも平気だというお国柄なのか、初対面でもガンガン議論する。どうせ赤の他人なのに、そこまで言うかよ・・・という位喋りまくる。
ホテルの一室に２人だけというシチュエーションなので、ここら辺は舞台演劇のような演出。
散々悪態つきながら、少しずつお互いに関心を抱いていく経緯がさりげなくて良いんですよね。
その分岐点が、アクシデントが起きてローズがシャワーを浴びた後にスッピンで現れた後から。
ローズはメークアップの仕事をしているのだけれど、まるで鎧のように素顔がわからないくらいの厚化粧をしていたのです。
「化粧は洋服と同じで、化粧をしないのは裸でいるようなもの」
そう言ってたローズは、フェリックスの前で裸になったようなものです。
ローズの化粧は何かを隠す手段だったのかもしれませんね。
フェリックスは元々コックをやっていたけれど、父親によって挫折感を抱かされ、冷凍食品のアドバイザーになりアメリカで暮らしていた。味にはうるさいフェリックスだったけれど、ホテルの調理場を借りて久しぶりに料理を作り、ローズに振る舞う。
まぁ、ここら辺はやや強引かな？と思いますけどね。
ただ、劇中フェリックスがやたらハリウッド映画の軽さをバカにしていたのに、この映画自体がそんなノリであることがジョークなんでしょう。
遠くで向き合って様子見の２人が惹かれていく様子は、小さなエピソードを幾重にも重ねていくので、そこがハリウッド映画とはまた違った味わいがあります。
ほとんどローズとフェリックスの２人だけのシーンでありながら、セリフもきちんと考えてあるので、退屈はしませんでした。
ラストは、邦題の「コックと素顔と、おいしい時間」そのものズバリ。
この作品は、ほんの始まりを描いたということが良いんですよねー。
それと、携帯電話もアイテムとして上手く使ってました。
着メロはヴィヴァルディ−の「四季」から「春」ってのも、フェリックスの性格を表わしてる・・・かも（？）
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アニマル・ハウス
１９７８年アメリカ監督：ジョン・ランディス
出演：ジョン・ベル−シ、トーマス・ハルス、スティーブン・ファースト
(´▽｀)つ★★☆☆☆
＜ストーリー＞
１９６２年９月、新学期が始まった名門フェ−バー大学。
さえない新入生ラリーとケントは、学生クラブの中でも秀才揃いの「オメガ・ハウス」のドアを叩くも、典型的なアイビー・リーガー、グレッグやダグから相手にされなかった。
頭にきた２人は、隣の「アニマル・ハウス」のドアを叩く。
そこにいたのは、だらしない学生たちばかりだったが、「喧騒」と「狂気」の溜まり場に親しみを感じた２人はさっそく入会する。
一方、名門フェ−バー大の品位を脅かす「アニマル」の存在は学長にとって悩みの種で、改めて彼らの一掃を決意する。
公開当時、アメリカでは大ヒットした作品で、ＴＶ番組「サタデー・ナイト・ライヴ」の出演者も多く出ているこの作品は、コアなファンがいるそうです。
そのせいかどうか、アメリカではドタバタコメディーながら永久保存版の作品に指定されたとか・・・。
日本ではコケた作品です。
ちなみに、トーマス・ハルスは現在名トム・ハルス。
なんとなく「アメリカン・グラフィティ」のパロディっぽい映画なんですけど、当時のアメリカン・ギャグが好きだという人以外には、「どこが面白いんだ？」という印象しかないでしょうねー。こういうハチャメチャなドタバタ・コメディーは、好き嫌いがあると思いますし・・・。
お笑いっていうジャンルは国民性がよりよく反映されるもので、視覚でハチャメチャぶりを見てウケるよりも、落語や漫才のような話術や身振りを見て想像しながら「プッ・・・」と笑うことを好む日本人。
正直申しまして、私もドタバタ過ぎるのは好きではありません。
ですから、この作品自体がオススメというよりは、ジョン・ランディスの骨頂でもある時期の作品として紹介したいと思います。
この作品の時期は、まだジョン・ベル−シは麻薬中毒として深刻な頃ではなかったので、彼のお笑いのセンスが光ってると言っていいでしょう。昔、ビデオで観た「サタデー・ナイト・ライヴ」のジョン・ベル−シが好きで、この作品は彼らしさが充分出ています。
でもその後、案外ストイックな彼は、お笑いを極めたいがために麻薬中毒に陥ってしまい、「ブルース・ブラザース」では彼の良さが消えてしまっていました。
そんなことで、波に乗ってたジョン・ランディスとジョン・ベル−シのコンビと、当時大人気番組であった「サタデー・ナイト・ライヴ」のメンバーが出演してるとなれば、アメリカでウケないはずもありませんね。
さて、この作品は今観ると何気に凄い人たちが出ています。この作品がデビュー作のケヴィン・ベーコンやトム・ハルス。
まだ若々しく、ぽっちゃりしたカレン・アレン。
教授役にドナルド・サザーランド・・・今は悪役っぽいイメージで定着してますが、この作品ではお尻を披露(；・∀・)
そして、これは余談ですけど、「アニマル」の会長役の俳優さんがどうしてもブッシュ大統領を若くしたような顔なんですよねー。
こういうＢ級っぽいコメディ映画ながらも、未だにアメリカではファンがいるんでしょうねぇ。
映画の製作期間が１ヶ月ちょっとだったらしく、その割には大ヒット。
そして永久保存映画にも指定・・・アメリカって国は懐が深いんですね。
音楽は巨匠エルマー・バーンスタイン。
「荒野の七人」から「アニマル・ハウス」までってことで、これまた物凄い幅の広さです。
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ディパーテッド
２００６年アメリカ監督：マーティン・スコセッシ
出演：レオナルド・ディカプリオ、マット・ディモン、ジャック・ニコルソン
(´▽｀)つ★★★☆☆
＜ストーリー＞
ボストンで犯罪組織と繋がりを持つビリー・コスティガンは、自らの生い立ちと決別すべく、警察官を志した。
一方、マフィアのボス、コステロに育てられたコリン・サリバンは、コステロのスパイとして警察に送り込まれた。
コリンはマフィア撲滅の特別捜査班に抜擢され、ビリーはコステロの元へ潜入する極秘任務を命じられる。
２００２年の香港映画「インファナル・アフェア」をリメイクした作品で、アカデミー賞作品賞などを受賞。
オリジナルを観た人には不評の本作品(；・∀・)私はオリジナルは未見ですので、比較はできませんけれど、往々にしてハリウッドでリメイクされた作品は、オリジナルよりも見劣りしてしまうのはお約束。
ハリウッドに於けるリメイクは、アメリカ人のアメリカ人によるアメリカ人のための作品である・・・ということを踏まえなくてはなりません。
アジア映画にせよ、欧州映画にせよ、優れた作品は多々あり、それらをリメイクする位ならオリジナルに字幕をつけて上映すりゃいい。
しかし、わざわざリメイクするのは、アメリカ人は字幕を読むのが面倒であり、アメリカ人でもわかりやすい作りじゃないとダメであるが故だと、どこかで読んだことがあります。
外国映画を一番観ない国はアメリカ人だと・・・。
そんなことで、オリジナルと比較して「ダメだ」なんて評価するのは、ある意味邪道ってことです。
アメリカ人ウケさえすればいいのがリメイク。
さて、映画の方ですけれど、何故にアイルランド系のマフィアなのか・・・という背景がわからない上に唐突。コリンの幼少時代から一気に警察学校卒業シーンを迎えても、ジャック・ニコルソンらの老け具合がなさ過ぎもご愛嬌か？
まぁ、それでもコリンとビリーがお互いにスパイであることを私たちは知った上で観ていたので、バレやしないか？というハラハラ感はありましたね。
そして、マフィアも警察も「ネズミ」が潜入しているとわかり、そこから誰が「ネズミ」なのか突き止めようとする辺りも、目が離せない展開。
最初、１５０分もの長さに「大丈夫か？」と思っていましたが、意外と長さを感じさせませんでした。
ただ、精神科の女医が登場するたびに、テンポダウンしちゃうのが気にはなりました。
彼女が女医である必要性は最初だけで、あとはハリウッドのお約束「お色気シーン」
しかも、コリンとビリー両方と関係を持つ淫乱ぶりにシラケた。
ビリーはマフィアへ潜入し、そういう役目に苦しんでいるはずなのに診察では軽くあしらい、男女関係にてビリーを慰める・・・それなら女医でなくても良いんじゃないか？
そして、この映画で肝心なアイテムが携帯電話。その携帯電話が実に緊迫感を弱めてしまっていました。
使ってもいいんだけれど、使いすぎ。
久しぶりに、恐そうなジャック・ニコルソンを見た気がしますけど、彼の場合恐いというより狂気じみてる感じに見えるんですよねー。
ラストは、あそこだけハリウッド的ではなかったという印象です。
予測に反していたのでビックリしましたけれど、ああいうオチにしたことは評価できると思います。
「ディパーテッド」のタイトルそのまんま。
スコセッシ、嫌々作った割には、まぁ上出来ではないかなと思います。
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愛のエチュード
２０００年イギリス＝フランス監督：マルレーン・ゴリス
出演：ジョン・タトゥーロ、エミリー・ワトソン、ジェラルディン・ジェイムズ
(´▽｀)つ★★★★★
＜ストーリー＞
１９２９年、イタリアのリゾート地コモ湖畔に天才チェスプレイヤー、ルージンが世界チェス選手権のためにやってきた。
ある日、ルージンは亡命ロシア貴族の娘ナタ−リアと出会い惹かれ、唐突にプロポーズする。
突然のプロポーズに戸惑ったナタ−リアも、両親の反対をよそにルージンを愛していく。しかし、かつてルージンを世話していたヴァレンチノフが現れてから、ルージンの精神状態が不安定になっていく。
「ロリータ」などの原作者ラウジ−ミル・ナボコフの作品を映画化。この作品の邦題「愛のエチュード」からして、甘ったるい内容なのかと思っていましたが、とんでもなかったです。
ルージン演じるジョン・タトゥーロは、登場した瞬間からルージンの人なりが伝わってくるほどの雰囲気を出し、一気にその世界に引き込む演技の力量を感じさせました。
リゾート地のホテルが舞台でありながら、優雅さからは程遠い感じのルージン。
「天才」と呼ばれるチェスプレイヤーのルージンは、チェス以外はまったく不器用。
そんなルージンがナタ−リアを一目見た時から惹かれるんですけど、アプローチということを知らないのか、色んな手順をすっ飛ばしていきなりプロポーズしちゃう。
そこら辺が社会的社交性を身につけずに大きくなったルージンをよく表わしていて、心の中は少年のままストップしている繊細なルージンであることを映画の冒頭で一気に悟らせる構成はうまい。
一方のナタ−リア演じるエミリー・ワトソンも適役で、お嬢様ながらも自分の信念を曲げない芯の強さを垣間見せる表情がピッタリ。両親が用意する縁談をことごとく断り、ルージンに惹かれていくのも「自分が守ってあげたい」という気持ちに従う強さだからでしょうね。
そういう母性本能的な気持ちが強い・・・という雰囲気を感じさせる意味でも適役だと思います。
しかし、その恋愛は一筋縄ではいかないんです。
ヴァレンチノフという男が現れ、その姿を見たルージンは激しく動揺して徐々に精神的に落ち着かなくなっていくんですね。
そんなルージンを甲斐甲斐しく支えようとするナタ−リアとの愛は深まるものの、人並みに幸せな人生を送りたいと願うほど邪魔されるという展開に。
ヴァレンチノフは静かに内側から蝕んでいく悪魔のようで、「このジジィ！」って思えるほど憎たらしい。
ルージンは幼い頃から愛を注いでもらえなかった。そんな時にチェスと出会いチェスの才能を発揮するのだけれど、彼にとって唯一現実から逃れられるのがチェスだった。
母親が亡くなり、父親に対してチェスの才能を磨かせるべきと声をかけてきたのがヴァレンチノフだった。
やがて成長したルージンが自分の思い通りにいかなくなってきたとわかり、ヴァレンチノフは突然見切りをつけ、ルージンをポイッと捨てた。
ルージンにとって身内からも見放され、育ててくれたヴァレンチノフからも見捨てられたことは、相当のトラウマになっていたんですね。
映画の中盤からは、緊迫感のある展開になっていく。
静かであるチェスの試合のシーンも、カメラショットとアングルが巧みで激しい動きを感じさせる。
チェスクロックを叩きつけるシーンを挟むことで、ルージンの物凄い集中力を感じさせ、緊張感を漂わせていて見事だなと思いました。
映画が終盤になっていくと、どんどん展開が激しくなり、観てる側の気持ちも揺らがされていきます。希望と絶望と救い・・・。
そういう風に揺らがされたのは、ストーリーだけではなく、それを演じた役者の演技力が素晴らしかったからだろうと思います。
セリフに頼ることなく、身から滲ませる雰囲気で物語ることの雄弁さ。
そして、メリハリよく展開し、ぐんぐんテンポを上げていく編集力も素晴らしかったです。
さほど期待もせずに観て、思った以上に素晴らしい作品だったりすると、何とも言えない幸福感を抱くんですよねー。
それにしても、本当にジョン・タトゥーロは良い俳優だなぁ〜(・∀・)
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硫黄島からの手紙
２００６年アメリカ＝日本監督：クリント・イーストウッド
出演：渡辺謙、二宮和也、伊原剛志、加瀬亮
(´▽｀)つ★★★☆☆
＜ストーリー＞
１９４４年、陸軍中将・栗林が硫黄島に降り立った。
それまで精神論で統制してきた上官とは違い、栗林は理論的に作戦を立て、本土防衛の最後の砦である硫黄島を死守すべく島中にトンネルを張り巡らせ、地下要塞を築かせた。
そして圧倒的な米軍の戦力に対し、予想以上の日本軍の抵抗が始まる。
陸軍中将・栗林忠道の『「玉砕総指揮官」の絵手紙』を基に、第二次世界大戦で日米最大の決戦地であった硫黄島での戦いを日本側から描いた作品。
この作品は、「映画」として鑑賞する前に、日本人として硫黄島で日本を守るために戦い散った先人を偲ぶためにも、その戦いがどういうものであったか知りたいと思い観ました。恥ずかしながら、私はこの作品を観るまで硫黄島の戦いがどのようなものであったのか知りませんでした。
それをアメリカ人のイーストウッドから教えられた・・・という感じです。
硫黄島の戦いが日本兵にとって熾烈だったのは、米軍の戦力もさることながら、熱さという環境に加え食糧と水不足も兵士を苦しめたそうです。
そんな中で延々と穴掘りをしていく辛さに、米軍の空爆。
そして栗林が来るまで、精神論を振りかざす高圧的な上官・・・イーストウッドはその辺もきちんと描いていましたね。
渡辺謙演じる栗林は理論的なものの考え方をする人で、合理的な体制で米軍を迎え撃つ準備を始めます。ただ、その辺はちょっと映画ではわかり辛かったかな・・・？
二宮演じる西郷の視点で描いていたせいかもしれませんが。
二宮は良かったとは思うんですけど、ろくに飲まず食わずで戦っているという雰囲気が今ひとつ伝わってこなかったです。
硫黄島に派兵された日本兵は、生きて硫黄島から帰られないという覚悟でいたそうです。
でも、本当のところ決死の覚悟というのは本音ではないけれど、お国のために命を賭けて戦う決意をしていたという、日本兵特有の精神論をできるだけ表現しようという監督の熱意は伝わってきました。
これには頭が下がる思いです。
日本兵約２万３千人に対し、アメリカ兵は約１０倍の２５万人。日本兵の戦死者は２万１,９００人、アメリカ兵は２万９千人の死傷者。
アメリカは硫黄島で、太平洋戦争中最も多い死傷者が出たそうです。
日本兵は僅か、１,０２３名の生存者・・・国家間では勝者と敗者に分けられてしまいますが、兵士にとっては勝者も敗者もない・・・ということをイーストウッドは投げかけているのではないでしょうか。
外国人の監督にしては、限りなく史実に忠実に描いてくれたなとは思いますが、細かい点は気になりました。
硫黄島の島民の中で着物を右前にしていた人がいたり、回想部分で出てきた日本家屋の玄関戸が障子戸だったのが違和感ありましたねー。
女性はモンペはいているんじゃないの？とか。
まぁ、それでもかなりマシな方ですけども・・・。
この作品のメインは、栗林や西郷が綴った手紙のナレーションなんでしょうね。私はＤＶＤで観たせいか、音声が小さくて聞き取りにくかったんですが・・・。そしてラストに埋められていた兵士たちの手紙が掘り出されて、パラパラと落ちていくシーンが全てだと思うんですけど、弱かった気がします。
日本兵が力を尽くし守ろうとした硫黄島は、日本本土を攻撃するためのアメリカにとって重要な拠点となってしまいました。
戦後２３年後の１９６８年に日本に返還され、今は自衛隊の管理下にあります。
未だに１万２千柱もの将兵の遺骨が硫黄島に眠っているそうです。
私などがこの映画のレビューをするのはおこがましいですけど、今は日本人として知るべき歴史に目を向けさせてくれたクリント・イーストウッドに感謝したいと思います。
※硫黄島で戦って、数少ない生き残りの兵士だった方の体験記のサイトがあります。
当時のことがより詳しく知ることができ、映画以上に感銘を受けました。
↓
【祖父の硫黄島戦闘体験記】
http://www5f.biglobe.ne.jp/~iwojima/
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１７歳のカルテ
１９９９年アメリカ監督：ジェームズ・マンゴールド
出演：ウィノナ・ライダー、アンジェリーナ・ジョリー、クレア・デュヴァル
(´▽｀)つ★★☆☆☆
＜ストーリー＞
１９６７年、１７歳のスザンナ・ケイセンはごく普通の少女だったが、混乱し、不安に苛まれ、大量のアスピリンとウォッカを飲み、自殺を図る。
両親の勧めで精神科に入院し、「ボーダーライン・ディスオーダー（境界性人格障害）」と診断される。
その病院には様々な精神的な症状を抱える少女が入院していたが、彼女たちによってスザンナは自分を取り戻していく。
スザンナ・ケイセンが２年間精神科に入院した日々を綴った著書「思春期病棟の少女たち」を基に映画化した作品で、その著書を読み感銘を受けたウィノナ・ライダーの制作・主演。
この作品で、アンジェリーナ・ジョリーはアカデミー賞助演女優賞を受賞。
その昔、１７歳は子供と大人の切り替わりの時期で、精神的不安定になる象徴の年齢でした。周りの大人は絶対であり、そして自分を守ってくれる存在だと思っていた子供が、徐々に「そんなこたぁない存在じゃないか」と知っていく。
今まで言われてきたことを信じられなくなり、いきなりリアルな世の中が見えてくる苦痛。
お伽話を聞かされていたのに、突然「現実を見ろ」と言われる。
大人が隠してきたセクシャルなことに興味を持つけれど、それは罪悪だと自分を責める。
しかし、昨今は低年齢化してきてますけれど。
この作品を観て率直に思ったのは、アンジェリーナの演技力の素晴らしさを堪能できた・・・ってことだけですね。
アメリカの１９６０年代後半は社会自体が病んでいたし、若者の価値観が急激に変化していた時代であった中、その狭間で精神をコントロールするには未熟な若者たちの何かしらが垣間見れるのかと思いましたが、それもないまま「自分が異常なのか世の中が異常なのか」と問われても・・・。
原作は箇条書きで綴られているということで、物語性を持たせるために創作したエピソードを挟み込んでいます。そのエピソードに感銘を受ける人が多い皮肉。
ウィノナ自身も精神科に一週間入院したり、貧しくもないのに万引きしたりと、精神的バランスを欠いていた時期があったために共感できたのでしょうが、自分自身への慰めのために制作したのか？と思えてならない。
思春期の精神的バランスが崩れる理由も原因も「これだ」という明確なものはないし、わかるわけもない。
スザンナが体験し、見聞きしてきたことを綴った原作ならば、そういうスタンスで映画も作って欲しかった。
淡々と・・・そこから観る人が何を感じ取るかは、むしろその人の価値観によって違ってていい。
こういう作品で誘導されるのは不愉快。
それから、入院している少女たちそれぞれの個性が中途半端だったのは残念。一方で、看護婦役のウーピー・ゴールドバーグの押さえ気味の演技や所長（？）の静かにボソボソ喋るのが印象的。
「カッコーの巣の上で」のような冷酷な病院体制を露骨に描いていなものの、どこか患者を人間として扱ってないクールさを感じさせた。
現代は慢性的に大なり小なり精神バランスを崩している人は多く、神経症と言われても特別な気はしない時代になってしまった。
多くの人がカウンセリングに通ったり、入院しないまでも薬を飲みながら生活している。
表面上何でもないように取り繕って生きる方がよほど辛い。
暴れる人より、無気力に苛まれている人の方が多いし、そちらの方がキツイ。
そういうことで、「だから？」という感想しか持てない私は、かつて鬱を経験しているんですけどね。
ちなみに、スザンナが日記を書くことを勧められたのは、適切ですね。
書くことで、頭の中を整理していけます。
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ぼくを葬る（おくる）
２００５年フランス監督：フランソワ・オゾン
出演：メルヴィル・プボー、ジャンヌ・モロー、ヴァレリア・ブルーニ・テデスキ
(´▽｀)つ★★★☆☆
＜ストーリー＞
パリで活躍するファッション・フォトグラファー、ロマンは撮影中に倒れ、病院で診てもらった結果、末期ガンと診断される。
勧められた化学療法を拒んだロマンの余命は３ヵ月。
ロマンは軋轢の多い家族には病気のことは言わず、一緒に暮らす恋人とは一方的に別れを告げる。
そんな時、カフェで突然女性から声をかけられ、精子を提供してくれと頼まれる。
「８人の女たち」のフランソワ・オゾンが描く、「死」をテーマにした作品の２作目。
この作品にはフランスの大女優ジャンヌ・モローが主人公の祖母役で出ている。
愛する家族を考えながら、やり残したことをやり遂げる主人公を描いた「死ぬまでにしたい１０のこと」とも似ているようですけど、この作品は人生と死の隔たりを感じさせない描き方だと思いました。こちらの主人公は、愛してはいるものの家族とは精神的な食い違いがあり、そして恋人ともわざわざ別れ、あえて自分を孤独にします。
それは、周りの人の感情に振り回されず、自分だけが迎える死に集中するためなのかもしれません。
感傷的に時間を過ごしたくない・・・というのがロマンの気持ちなのでしょう。
しかし、ロマンは祖母だけには病気のことを告げます。
それは祖母も人生の先が短いから・・・ということと、愛する家族を失っても乗り越えてきた人だからという辺りに、「死を迎える」ことを突きつけられた人間を繊細に描いている印象を受けます。
その祖母役のジャンヌ・モローは、喜びの時も哀しみの時も生き抜いてきた人生の重みを感じさせる良いキャスティング。孫が先に逝ってしまう事実を告げられ、静かにその哀しみを受け入れるシーンが何とも言えぬほどグッと胸にきました。
こういう祖母がいたロマンは幸いですね・・・私が生まれる前に２人の祖母共亡くなった私にとっては、羨ましい・・・。
あんな風に甘えたいなぁ〜って・・・思いましたよ。
そしてロマンは、永遠の一瞬を記憶に留めるかのように色々とカメラで写し続けていく。
やはり自分が生きた証を遺したいと思ったのか、精子を提供してくれと頼まれた女性の願いを聞き入れる。
ただ、「遺す」という点を強調するためなんでしょうけど、その下りはあまりにも唐突なんですよね。
見知らぬ男にいきなり「あなたの精子くれ」なんて頼めるものかぁ〜？と。
ここは強引過ぎて・・・しかも１度の行為で的確に妊娠したものだから、シラケてしまった。
もったいない・・・。
見知らぬ女性と子作りする意味を際立たせるために、ロマンはゲイで設定されたんだろうな・・・という感じで、結局人間の本能である「種の存続」なのに、わざわざ何かを遺そうとするエピソードに仕立てたっぽい気が・・・。そして、少年時代の自分が現れる幻想。
男にとって少年期の自分は、純粋な存在の代名詞なんでしょうかね？
男の少年期は回帰させてナンボなのか、自己を見つめる男には少年時代の自分をよく登場させますねー。
この作品も御多分に漏れず・・・。
全体に叙情的で良いんですけど、ロマンという人なりが見えてこなかったのが残念です。
邦題の「ぼくを葬る」は映画の的を射ていると思うんですけど、肝心の「ぼく」がわからなかった印象です。
末期ガンでありながら壮絶でもないロマンの死は、あくまでも理想の塊でしかなかったですね。
まぁ、リアルなら良いってもんでもないですけど・・・。
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ぼくのプレミアライフ
１９９７年イギリス監督：デヴィット・エヴァンス
出演：コリン・ファース、ルース・ジェメル、ルーク・エイクマン
(´▽｀)つ★★★★☆
＜ストーリー＞
中学校教師のポールは、少年時代に父親に連れられアーセナルのホーム試合を観戦して以来、熱狂的なアーセナル・サポーターとなった。
１９７１年の優勝以来、優勝から遠ざかっているアーセナルだったが、ポールのチームへの愛は揺ぎなかった。
一方で、ポールは新任教師のサラと衝突しながらも惹かれ合い、恋に落ちる。
やがてサラは妊娠し、お互いに結婚することを考えるが、それでもアーセナルを優先させるポールにサラは不安を抱く。
そんな中、アーセナルは１８年ぶりに優勝するチャンスが訪れる。
「アバウト・ア・ボーイ」などの原作者でもあるニック・ホーンビィ自伝的小説を映画化。ニックは脚本も担当している。
この作品をアメリカでリメイクしたのが「２度目のキス」
アメリカ版はサッカーではなく野球。
熱狂的なイギリスのサッカーファンは、「生涯のうち、妻を替えることはできても、応援するフットボールチームを替えることはできない」という風に言うくらい、応援するチームへの愛は尋常ではないことが伺えます。かく言う私もＪリーグに贔屓チームがあり、年に何度もスタジアムへ観戦しに行っているので、大方理解はできる方だと思います。
この作品は、特に自分の住む地域のチームを応援するサポーターならば、「そうそう、わかるぅ〜」と共感できる部分がとにかく多い。
まずは主人公のポールはサッカーに興味がまったくなかった少年だったのに、アーセナルの試合観戦に連れて行かれ、スタジアムのスタンドに立った瞬間、その盛り上がった雰囲気に表情がガラリと変化した。
テレビでは感じることのない、スタジアムの雰囲気・・・まさにそれなんですよー！
すっかりアーセナル・サポーターになったポールは、ともかくシーズン中はプレミア・リーグ中心で日々がまわる。プレミアのシーズンは秋〜春制なんですけども、ポールにとって１年は「シーズン」であり、秋から春が１年になっちゃってるのも重要なポイント。
こういう熱狂的な独身サポーターの恋愛は大変ね・・・ってことですね。
「ベルンの奇蹟」にも「サッカーの敵は女だ」というセリフがありましたが、日本とは違って欧州なんかは野郎の世界ですからね。
一応、サラはポールに感化されつつあったんだけど、友人から「洗脳されてる」と釘を刺される。
特に、アーセナルが１８年ぶりに優勝するかしないかって時に、結婚や昇格の話も絡んでくるんだけれど、やっぱり頭の中を占めちゃうのはアーセナル。そんな、根は真面目なんだけど、何かにはまり切ってるイギリス男にはコリン・ファースはピッタリだと思いました。
子供ができ、ちゃんと結婚を考えて新居も探すんだけど、アーセナルのホームスタジアムのすぐ傍を希望したり、人の話をちゃんと聞いてるようでラジオから聞こえる試合の実況の方を聞いていたり、その気持ちがわかるだけに可笑しかった。
私もホームスタジアムが見えるってだけで、「ここしかないだろう！」って引越し先を決めた口ですから・・・(；´∀｀)
試合中やたら野次飛ばしたり、「どうせ負ける！」とネガティブになったり、サポーターって万国共通なんだと思いました。
そういう視点でこの作品を観ると見事なんですけども、ラブストーリーという視点で観るとイマイチかもしれません。
たぶん、恋愛話はとりあえず加えた程度であって、そういう熱狂的サポーターの人生観とは何ぞや？的な自問自答なことが映画のテーマではないかと思います。
アーセナルの優勝が決まるか？という対リバプール戦は、当時の実況と映像を使っています。
凄い劇的な勝利だったことに、鳥肌ものでした。
これだから、サッカー観戦はやめられない！！
劇中、ポールの「劇的瞬間に立ち会えることの喜び、そしてその瞬間世界の中心にいる気分になれる」というセリフは最高！
まさに、スタジアム観戦の醍醐味を言い当てています・・・さすがですねぇ〜。
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ミュリエルの結婚
１９９４年オーストラリア監督：Ｐ．Ｊ．ホーガン
出演：トニ・コレット、ビル・ハンター、レイチェル・グリフィス
(´▽｀)つ★★★☆☆
＜ストーリー＞
ミュリエルは町の有力者である父の娘だったが、高校は中退し、太っていてブサイク。
友人からも敬遠される存在だったけれど、結婚願望は人一倍強い。
ある日、父親のお金を無断で使い込み、リゾート地へ出向いたミュリエルは、高校の親友ロンダと偶然再会する。
それがきっかけに、ミュリエルは自分を変える決意をして、一路シドニーへ。
日夜結婚相手を探す日々が続くのだったが・・・。
オーストラリア・アカデミー賞で４部門受賞した作品。
「リトル・ミス・サンシャイン」の負け犬一家の主婦役トニ・コレットが、見事なまでにデブになっていたことに驚いた。
この作品のために２０キロも体重を増やしたそうです・・・いや、凄い。
この作品は、とことんコメディかと思えばそうでもなく、重いエピソードも挟み込みながらもジメッとしていない、とても不思議な印象を持ちました。それにしても、ぶっちゃけトニ演じるミュリエルのブスさ加減には驚きましたねー。
しかもダサい。
父親は有力者なのに、家の中は到底そんな一族だとは思えないほど、ミュリエルだけではなくて家族までだらしない。
案外オーストラリアは男尊女卑が強いらしく、その辺を極端に描き出したのがミュリエルの一家なのかな？という感じかも。
時は、日本も含めて多くの先進国の女性が社会進出が盛んになっていた時代に、この作品に出てくる若い女性は結婚することが至上命令のような感覚なことに気付く。
オーストラリアでは女の幸せは結婚・・・という認識が１９９０年代でも根付いていたんでしょうかね？
そして、ミュリエルは１９７０年代に一世を風靡したコーラスグループ「ＡＢＢＡ」が好きで、ヒット曲「ダンシング・クィーン」のような生き方をしたいと望んでいた。そういうことで、映画には「ＡＢＢＡ」のお馴染の曲がバックに流れるんですが、わざわざ流してるっぽい感じにも・・・。
効果的なシーンもあるんですけど、曲だけが浮いてるようなシーンもあったりで、使いすぎかな？
ミュリエルがロンダと「ＡＢＢＡ」の曲を口パクしながら踊るシーンは、デブってる身体の線を強調するボディースーツなんか着てるもんだから、「頑張ってよくそこまで太りましたね」とある種の感動すら覚えるシーンかも（？）
それにしても、同じオーストラリア映画で同じ年に制作された「プリシラ」といい、「ＡＢＢＡ」流行だったんでしょうかねー？(・∀・)
そういえば、色使いの派手さも良い勝負です。
結局、なかなか結婚相手が見つからないミュリエルは、オリンピックのためにオーストラリアから出ようとする南アフリカの水泳選手との偽装結婚を引き受ける。相手が相手なので、マスコミからも注目される結婚。
ミュリエルは願ってもみない華やかな結婚式を挙げて得意になるんですけども、カッコいい相手の男性が思い切り嫌そうな顔をしていたのには笑ってしまいました。
結婚式に満足するミュリエルだけれど、何か大切なこと忘れてはいませんかぁー？ってことで、それに気付く出来事が起きるんですね。
ラストは爽快です。
ミュリエルのブス・キャラだからこそ、ラストの意味が大きいんですね。
親友のロンダのキャラもなかなか(・∀・)ｲｲ!!
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トーク・トゥ・ハー
２００２年スペイン監督：ペドロ・アルモドバル
出演：レオノール・ワトリング、ハヴィエル・カマラ、ダリオ・グランディネッティ
(´▽｀)つ★★★★★
＜ストーリー＞
看護士のベニグノは、４年間昏睡状態のアリシアを病院で世話をし続けていた。
ベニグノは、自分の住むアパートの向かいにあるバレエ・スタジオで踊るアリシアに魅せられていたが、彼女は交通事故に遭い昏睡状態になった。
２４時間体制の看護を家族が希望していると知って、ベニグノ自ら看護を志願したのだった。
一方、女闘牛士ソディアも競技中の事故で昏睡状態になった。
彼女の恋人マルコは絶望に陥っていたが、そんな時病院でベニグノと出会う。
様々な愛の形を生と死というベースの上で描き続ける、ペドロ・アルモドバルの「究極の愛」
「バッド・エデュケーション」も究極の愛・・・と形容していたけれど、男女の関わりというカタチにしながらも、監督の持つ男女観はこの作品でも健在。
ベニグノという男性の「愛」は、崇高さと異常さが表裏一体であることを表わしていると思います。あんなに想ってもらえるなんて幸せ・・・と感じるか、単なる執着するストーカーで気持ち悪いと感じるか。
でも、誰かを好きになることは所有欲が働いていくものであり、ベニグノにとっては幸運にも介護というカタチでアリシアを所有できたのです。
そして、アリシアは自分の意思表示をしませんから、ベニグノは彼女に本当に自分を好きでいてくれるか？という疑念を抱いたり、他の男に気移りするのでは？という不安を抱く必要がない。
ただそこにあるのは、心から注ぐ愛が存在する・・・という意味で「究極の愛」ではありますね。
そして、マルコ。彼は一見普通の男のように描いていますけれど、劇中のエピソードで２度女性のために蛇を退治したことになっています。
蛇は性的なことを象徴していますし、男女の交じり合いから受胎を象徴しているとも言われています。
蛇を恐がった彼女のために退治する勇敢な男性・・・と思えますが、そこにはマルコと彼女らは結ばれないことを示し、マルコの男性的な部分の不能も表わしているかもしれません。
武骨っぽいマルコは、実はベニグノよりも女性的という位置付けでは？と解釈しました。ダンスの公演を見て涙を流すマルコは、そういう所以かも・・・と。
バレエの先生がベニグノに「男の死から女が甦る」という、次の公演のモチーフを話していました。女性は大地から誕生してくる精霊だと・・・。
監督ペドロの男女観なのでしょうね。
彼の作品は、一貫して女性の生命力を感じさせます。
この作品でも同じで、劇中に挿入されているダンスやサイレント映画にも象徴させていますね。
まぁ、あのサイレント映画は一瞬「うわっ！」と思いましたけれど、女性の局部は生命にとっては重要な部分でもありますからねぇ・・・。
あのシーンをベニグノの取った行為に被せているんですが、男の身体が小さくなっていることの意味は重要です。
「でも結局ベニグノは強姦したんじゃん！」と短絡的に捉えちゃうかもしれないという、紙一重な展開ではありますね。
でも、ここでバレエの先生の言葉も重なる展開なのだと思うんです。
女性は大地のように育む生命力に満ち溢れている・・・でも、ここら辺は嫌悪感を抱く人がいるでしょうねぇ。
昏睡状態のアリシアの身体がポッチャリしているというツッコミもできますが、全裸で横たわっている姿が美しかったですねー。そして、この作品でも「雨の降る日」に運命的なことを起させていますね。
終盤はマルコが自分に相応しい愛を見出していく感じなのですが、それは見方によって「友情」とも受け取れる。
同性間の「愛」の微妙さは、ペドロならではの描き方でした。
ラストあたりのベニグノとマルコのシーンは、物凄い切なさを感じました。
男女間でも出せない切なさ・・・いや、男同士だから切ないのか・・・。
この作品は、アリシアに対するベニグノの愛の物語のように見せて、実はベニグノに対するマルコの愛の始まりを紡いで見せた物語かも。
ところで、本当にこの監督さんは小物や色使いは上手いです。
今回のこの作品は音楽もステキで、バックに流れる音楽といい、ブラジルのミュージシャンが歌う曲も素晴らしい。
「オール・アバウト・マイ・マザー」のセシリア・ロスがカメオ出演。
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オドレイ・トトゥ in ハッピーエンド
２００３年アメリカ＝フランス＝ドイツ監督：アモス・コレック
出演：オドレイ・トトゥ、ジャスティン・セロー、ジェニファー・テイリ−
(´▽｀)つ★★★☆☆
＜ストーリー＞
女優を目指し、フランスからニューヨークへやってきたヴァレリー。
彼女はゴミ箱から拾ったホウキで掃除を請け負う仕事を始めるが、ある家の軒下で野宿を続ける。
そこは、５年以上もスランプ気味の脚本家ジャックの家だった。
髪をショートにして、オバサンヘア一歩手前な髪型のオドレイ・トトゥのキュートさだけを見せる作品かいな？と思わせる作品。
「アメリ」のヒットにあやかったんでしょ？という作風プンプンです。
オドレイ・トトゥの不思議っ子ちゃん全開を楽しむには、打ってつけの作品ではありますね。大きなトランクを下げてニューヨークにやってきて、ゴミ箱から拾ったホウキを引きずりながら街中を歩く姿は、アニメ「魔女の宅急便」のキキを連想しました。
この街で頑張るぞっ！という覚悟をし、ホウキを手にしているヴァレリーは、さながらキキのようだな・・・と。
で、住む家がないので勝手に他所様の家の軒下に、寝袋で寝泊りしちゃうあたりは不思議っ子ちゃんならば充分ＯＫってな感じ。
まぁでも、そこで用を足すのは如何かとは思いますが・・・。
とにかく、この映画のストーリーはツッコミ満載です。
四捨五入くらいの感覚で観ていく作品だと割り切らないといけません。
・・・というか、見事なまでに大雑把な展開なので、ある意味潔いくらいです。
「ダヴィンチ・コード」のトトゥに違和感を感じた方は、逆にこの映画でトトゥの魅力を存分に味わえることができるでしょう。
そして、この映画にはヴァレリーの他にも個性的な女性が登場していて、大雑把なストーリーでも許せるかな？というムードを醸し出している。サラッと観流していても楽しめるという感じの作品ですが、悪く言えば印象に残らない作品ではありますね。
舞台がニューヨークでありながら、あまり「ニューヨーク！」っていう匂いもせず、中華料理店や日本のカキ氷の旗とか居酒屋の赤いチョウチンなんかが、ちょっと多国籍なニューヨーク風味かな？という程度。
映画の終盤の展開もかなり強引ですけれども、エンディングを観て映画のスタイルに納得させられたような、誤魔化されたような・・・。
でも私は楽しめましたけどね。
こういう映画は千円以上払って観たら「金返せ！」と思っちゃうか、単純に楽しめたからヨシと思うか、分かれるタイプの映画でしょうねぇ。
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コード：アンノウン
２０００年フランス＝ドイツ＝ルーマニア監督：ミヒャエル・ハケネ
出演：ジュリエット・ビノシュ、ティエリー・ヌーヴィック、ヨービフ・ビアビヒラ−
(´▽｀)つ★★★☆☆
＜ストーリー＞
女優アンヌにはカメラマンのジョルジュという恋人がいる。
ある日、ジョルジュの弟ジャンと街で言い争い、アンヌと別れた後に腹を立てていたジャンは、物乞いの女性にゴミを投げつけた。
それを目撃した黒人青年のアマドゥにとがめられたが抵抗し、警察を巻き込む事態になる。
一方、物乞いの女性はその場から立ち去ろうとするが・・・。
この作品もハケネ・ワールド全開でございます。
「隠された記憶」でも、よく意味がわからない手法で展開していますが、この作品もタイトルの通り「わからない」ということがキーワードで、直接的な描き方はしていません。
物語は、ジャンがゴミを投げて騒動になった時に登場した人物の、それぞれの生活が次々切り替わって描かれています。たぶん、そこに描かれている共通点は「分かり合えない」ということだろうと思います。
フランスに於ける移民問題もそうですが、世代間の相違、男女間の相違など・・・。
この作品での移民は、アマドゥの家族。
アフリカのマリから移民してきたらしいけれど、両親はフランスには馴染んでいない。
しかし、子供たちはフランスで育っているために、言葉もフランス語が流暢であり、フランスに馴染んでいる。
一番下の娘はアフリカがどこにあるかも知らない。
ここに、移民してきた親と子供の隔たりがあることが垣間見れる。
しかし、親子の隔たりはアマドゥだけではなく、ジャンにもあるという・・・どんな境遇にあっても世代間の相違は共通しているということ。
そして隔たりは男女間にもある。これはどこにでもあることだし特別視はしていないけれど、れっきとした隔たりなのです。
国家間の隔たりに比べれば、大きな問題ではないように思えて、どこか同じ根があるのでは？と思わせられる描き方であるのが興味深かったです。
世界がひとつになれる・・・と言うのは容易いけれど、果たしてひとつになれるのか？という問いを投げかけているようでもあります。
人種の違いに留まらない人間の様々な隔たりは、ほんの身近にも横たわっているのですよ、と。
ジョルジュがコソボに出向き写してきた、目を覆うような悲惨な写真で何を伝えたいのか？と苦言を言われます。
この辺もフランス人らしい感覚かもしれませんねー。
「平和」は「戦争反対」と同意語ではないってことなんでしょうね。
そしてジョルジュ自身が考えた「平和」に繋がる写真を撮っていくのですが、だからと言ってそれが絶対に平和の意味に繋がる写真とも限らないんですが・・・。
この作品の中で、唯一調和を感じさせるのが聾学校の生徒たちの太鼓の演奏。
アマドゥたちが身体全体で指揮して、それに対して見事に合わせて演奏するんですねー。
それとは対比させているのか、映画の冒頭と最後に手話のみで語るシーンが入ってます。
字幕も入っていないので、彼らが何を語っているのかわからない。
そこにも隔たりがあるんですね。
地球上にはいろんな言語があり、そこに加え手話という言語もあります。
考え方によっては、伝える手段は沢山あるはずなのに、何かに固執しているから分かり合えないんだ・・・ということでしょうか。
もしかしたら、みんなが分かり合うためには、分かり合えないという現実を受け入れることから始まるのかな？
そんなことを考えさせられた作品です。
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ウェールズの山
１９９５年イギリス監督：クリストファー・マンガ−
出演：ヒュー・グラント、タラ・フィッツジェラルド、コルム・ミーニ−
(´▽｀)つ★★★☆☆
＜ストーリー＞
第一次世界大戦中の１９１７年、ウェールズ。
ある村にジョージ・ガラートとレジナルド・アンソンのイングランド人が訪れた。
彼らは、フュノン・ガウルの測量にやってきた技師だった。
フュノン・ガウルは侵略者から村を守ってきた「山」で、村人たちの誇りだったが、測量の結果標高２９９メートルの「丘」だと判定され、村は騒然となった。
「山」として認められるには標高３０５メートル以上必要だとわかり、村人は技師たちを村に足止めし、一致団結して「山」にするための作戦を立てた。
原題は訳すと「丘を登ったが山を降りたイングランド人」
監督のクリストファー・マンガ−はウェールズ出身で、伝説を基に自ら監督、脚本を手掛けた作品。
ウェールズは１３世紀に公国を形成したけれども、同世紀の終わり頃にイングランドに併合された。
連合王国の中でも、スコットランドや北アイルランドとは事情が異なり、イギリスの国旗にウェールズの国旗だけ含まれていません。
ウェールズはイングランドに対して敵対心は持っておらず、ウェールズの人々にとってイングランドは対等な相手だという認識があるそうです。そういう背景から、イングランド人の技師が村に来た時に特別視していない雰囲気は納得。
むしろ、英語ではなくウェールズ語を喋る村人たちに対して戸惑っているイングランド人・・・という感じで、アタフタしているっぷりが可笑しい。
そして、「山」だと思っていたのに「丘」だと判定されたことが一大事っていうエピソードが世知辛い世の中の昨今、心温まるお話なんですねぇ。
自分たちの祖先を守ってきた「山」が「丘」だなんて納得しねぇ！ってことで、言わば人工的に「山」を作るぞってことなんですけれど、神父さんとパブの店主の仲違いの話も交えて、物語は進んでいきます。
で、やはり見せ場は、村人総出で「山」にするために作業するシーン。日本の山とは違い、イギリスの山は森林で覆われていないということで、村人の列を成しているシーンは美しくもありました。
その作業のシーンは、ウェールズの人々がエキストラで出ているんだそうです。
しかし、それだけでは弱いと思ったのか、イングランド人の青年技師（ヒュー・グラント）のロマンスは取って付けた感があって貧弱。
だから、「山」を降りてきた辺りが散漫になった気がします。
なんとなく、女にしてやられた世間知らずなヒュー・・・って感じで、少々あのカップルには違和感が。
その分、もう少し村人たちを丁寧に描いても良かったんじゃないかと思うんですけど・・・。
最近は単なるスケベな男の役が多くなってるヒューですけど、奥手でシャイな男を演じているのは、今観ると新鮮ではありますね。
さて、この作品のラストを観て思ったのですけど、今現在、フュノン・ガルウは「山」なんでしょうか？「丘」なんでしょうか？
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明日へのチケット
２００５年イタリア＝イギリス監督：エルマンノ・オルミ、アッパス・キアロスタンミ、ケン・ローチ
出演：カルロ・デッレ・ピアーネ、ヴァレリア・ブルーニ・テデキス、シルヴァーナ・ドゥ・サンティス、フィリッポ・トロジャーノ、マーティン・コムストン、ウィリアム・ルアン
(´▽｀)つ★★★★☆
＜ストーリー＞
インスブルック駅。
一人の老教授がローマ行きの列車に乗り込む。
食堂車両の席に座る教授は、現地で色々世話をしてくれた女性秘書に思いを馳せ、彼女宛のメールを打ち始めた彼は、隣の車両の通路にいたアルバニア移民の家族を目にする。
翌朝、イタリア駅で太った中年女性が若い青年を伴って列車に乗り込んでくる。
そして自分の席ではない空いていた一等席に勝手に座り、その席を予約していた客ともめたり、青年にあれこれ指図したりと傲慢な態度を取り続ける。
一方、その列車にはスコットランドからローマへ、サッカーチャンピオンズリーグのセルティック対ローマの試合を観戦するためにやって来た、３人の青年がいた。
その３人は、アルバニア移民の少年と親しくなるが・・・。
パルムドール受賞の３人の監督が、それぞれ「ローマ行きの列車」という設定で一話ずつ担当したオムニバス風の作品。
三話共に共通して登場するのは、アルバニア移民の家族。
そして思うに、この映画は私たち観ている者に「あなたならどうする？」という問いかけが共通しているのでは？とも思います。
一話目は、エルマンノ・オルミ監督。老教授がノート型パソコンでメールを打ち始めてから、女性秘書との空想に浸っていく。
食堂車両の落ち着いた雰囲気と、テロ対策のためにウロついている軍人の威圧感が交じり合って、空想と現実という対比のようでもあります。
そして、食堂車両にいる乗客は他に干渉しないという暗黙のルールでもあるように、見て見ぬフリっぽい空気。
扉を隔てた隣の車両とは別世界を漂わせている、その食堂車両は何を象徴しているんでしょうか？
老教授もそんな隔てられたこちら側に浸っていたのですが、メールを削除し、パソコンを閉じて自ら浸っていたことを終了させます。
この一話目は、「あちらとこちら」という隔たりは、ちょっとしたキッカケと勇気があれば越えられるということを示している気がしました。
二話目は、アッバス・キアロスタミ監督。ここに出てくる中年の女性は、これ見よがしに図々しい雰囲気の女性です。
たぶん、この女性を見ていたら大半の人は嫌悪感を抱くでしょうね。
私もかなりイライラさせられました
(；´∀｀)
この女性に対し、ただ従っている男、張り合う男、説得する男、提案する男という対応の異なる人が出てきます。
自分の思い通りに我を通し、協調性がないのは個人でも社会でも孤立していくという風にも感じられ、どこぞやの国のようでもありますね。
映画では、「助ける」ことに共通性を持たせていると思うのですが、やみくもに助けるだけではいけない。
時として、相手を突き放すことが「助け」になることもあります。
最後はケン・ローチ監督。個人的には、この三話目が一番好きです。
既にセルティックのユニホームを着込んで、チャンピオンズリーグの試合を観戦しに行くからテンションが高いってのも、サッカーファンなら十二分にわかる気持ち。
スコットランドもイングランドに負けない位、熱狂的なサポーターが多いですからね。
それに、中村俊輔が所属しているセルティックのサポーターってだけで、日本のサッカーファンにも嬉しい設定。
そんな３人の内１人が乗車券を紛失したことで、ドラマは一転します。
サンドウィッチをあげたアルバニア移民の少年が盗んだのでは？と疑うも、３人それぞれの考えがぶつかり合っていく様が見事なんですね。
キレイ事と現実的な事の板ばさみになり、なかなか答えが出せない。
ケン・ローチはズバリ「あなたならどうする？」を直球で投げかけてきました。
三話目は一番難しい問いでもありますね。
公共の交通機関は（バスや列車の中）社会の縮図のような面があります。
この映画は、そういう意味で人間社会の側面を垣間見せていました。
助けられっぱなしのアルバニア移民でしたが、良心に従い行動する勇気を引き出した人たち・・・ということでしょう。
こういうチョットした相互関係で人は変ることができるという意味でも、邦題の「明日へのチケット」はとてもピッタリだと思います。
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プラダを着た悪魔
２００６年アメリカ監督：デビッド・フランケル
出演：メリル・ストリープ、アン・ハサウェイ、エミリー・プラント
(´▽｀)つ★★★☆☆
＜ストーリー＞
大学を卒業したばかりのアンディはジャーナリストを目指していたが、その足がかりになればと、一流ファッション誌が募集していた編集長アシスタントの面接を受け、ファッションに無頓着なアンディだったが採用される。
しかし、アシスタントの仕事は生易しいものではなく、編集長ミランダの無理難題な命令に従わなくてはいけなかった。
やがてアンディはプライベート時間にも振り回され、恋人ネイトともすれ違っていく。
ローレン・ワイズバーカーの同名小説を映画化した作品。働く女性を描いた映画の代表として、１９８０年代の初めには「９時から５時まで」、１９８０年代の終わりには「ワーキング・ガール」が挙げられますね。
「９時から５時まで」は働く現場の男女間の差があることをコミカルに皮肉り、「ワー�